Es gibt einen Moment in Kanemura Mikus CP+2026-Seminar, in dem sie etwas sagt, das mich innehalten ließ: „Ich erwarte nicht zu viel von mir selbst.” Sie spricht über Selbstporträts — darüber, auf beiden Seiten der Kamera zu stehen — aber die Philosophie reicht tiefer als die Fotografie. Es ist eine Aussage über kreative Freiheit, darüber, was passiert, wenn man aufhört, sich an den Meistern zu messen, und beginnt, auf das zu hören, was das eigene Auge sehen will.

Kanemura ist Mitglied von Hinatazaka46, einer der bekanntesten Idol-Gruppen Japans. Sie ist zugleich, und in zunehmendem Maße, eine ernstzunehmende Fotografin. Diese beiden Identitäten existieren nicht einfach nebeneinander — sie nähren sich gegenseitig auf eine Art, die faszinierend zu beobachten ist.

Neunzehn Kapitel des öffentlichen Lernens

Seit Herbst 2024 schreibt Kanemura eine Kolumne namens „Create My Book” für Commercial Photo, eine angesehene japanische Fachzeitschrift für Fotografie. Neunzehn Ausgaben und es werden mehr, jede in einem anderen Genre — Selbstporträts, Schwarzweiß, Live-Konzertfotografie, Film, Landschaft, Altglas-Objektive — jede von einem anderen professionellen Fotografen begutachtet.1 Das Tempo ist bemerkenswert: etwa ein Kapitel pro Monat, und jedes ist eine öffentliche Lektion. Sie lernt auf der Seite und versteckt die Stolperer nicht.

Auf der CP+2026, der jährlich im PACIFICO Yokohama stattfindenden Leitmesse für Kamera und Bildgebung, trat sie am Sony-Stand zusammen mit einem Redakteur von Commercial Photo auf, um drei dieser Kapitel zu reflektieren.2 Was dabei herauskam, war kein poliertes Künstlerstatement, sondern etwas Besseres: eine ehrliche Landkarte davon, wie eine junge Fotografin über ihr eigenes Wachstum denkt.

Die Philosophie des Nicht-Erwartens

Das Selbstporträt-Kapitel ist der Ort, an dem die Philosophie lebt. Kanemura studierte Fotografie an der Kunstfakultät der Nihon-Universität und schloss im März 2025 ab. Ihre universitäre Arbeit umfasste ausgedehnte Selbstporträt-Serien — aufgenommen mit Stativ und Sony-Fernbedienung, jedes Element in Eigenregie: Garderobe, Make-up, Location-Scouting.3

Doch je mehr sie große Fotografen studierte, desto mehr Druck verspürte sie. Die Messlatte stieg immer höher. Die Lösung, die sie fand, war nicht, ihre Ansprüche zu senken, sondern die Struktur der Erwartung selbst loszulassen. „Ich erwarte nicht zu viel von mir selbst” ist keine Selbstabwertung. Es ist die Erlaubnis zu experimentieren, zu scheitern, etwas Unerwartetes im Bild zu entdecken.

Das hallt über die Fotografie hinaus wider. Jeder, der schon einmal vor einem leeren Editor, einer leeren Leinwand, einem leeren Terminal erstarrt ist, kennt die Lähmung durch selbst auferlegte Standards. Kanemuras Antwort — senke die Messlatte nicht, hör einfach auf, sie anzustarren — fühlt sich an wie etwas, das es wert ist, gestohlen zu werden.

Wenn Fehler zur Methode werden

Das Schwarzweiß-Kapitel enthüllt etwas ebenso Faszinierendes: Kanemuras Verhältnis zum Scheitern. Bei einem Shooting für die Kolumne machte sie etwas, das sie offen als Fehler bezeichnet — sie fotografierte in Farbe, als die Aufgabe Schwarzweiß war, und konvertierte die Bilder dann in der Nachbearbeitung.2

Auf der CP+2026, vor dem Publikum am Sony-Stand, verkaufte sie das nicht als kreative Entscheidung. Sie nannte es, was es war: ein Fehler. Die Reaktion ihres Dozenten war kein Tadel, sondern Lehre — „wenn du Licht betonen willst, dreh den Kontrast hoch.” Der Moment ist klein, aber aufschlussreich. In einer Kultur, die oft den Anschein müheloser Meisterschaft schätzt, wählte Kanemura Transparenz.

Hier kam auch ihr fotografischer Geschmack zum Vorschein. Sie erwähnte ihre Bewunderung für Henri Cartier-Bresson — den entscheidenden Moment, die Geometrie der Straßenfotografie. Ihr Dozent erweiterte behutsam ihren Horizont: „Schau dir auch Robert Adams an.”2 Adams, der Pionier der New Topographics, bekannt für seine meditativen Bilder der vom Menschen veränderten amerikanischen Westlandschaft, arbeitet in einem völlig anderen Register als Bressons kinetische Urbanität.4 Der Vorschlag deutet auf eine Erweiterung von Kanemuras visuellem Vokabular hin — vom Drama des eingefangenen Augenblicks zur Geduld der nachhaltigen Beobachtung.

2.500 Bilder einer anderen Art von Wissen

Das vielleicht eindrucksvollste Kapitel ist das Live-Fotografie-Experiment. Für die sechzehnte Ausgabe von Commercial Photo ging Kanemura undercover bei „Shinzanmono”, einer Bühnenshow mit den Mitgliedern der vierten Generation von Hinatazaka46 im Shinjuku Theater Milano-za. Verkleidet, um vom Publikum nicht erkannt zu werden, fotografierte sie die gesamte Aufführung als Live-Fotografin.5

Die Zahlen allein sind beeindruckend — rund 2.500 Aufnahmen während der Show, mit einer geliehenen Sony α1 II und drei Objektiven: einem 24-70mm f/2.8 GM, einem 70-200mm GM und einem 16-35mm GM. Sie bereitete sich vor, indem sie der Generalprobe beiwohnte und Beleuchtungsmuster, Setlisten und Bühnenbewegungen kartierte.5

Aber die eigentliche Geschichte dreht sich nicht um die Ausrüstung oder die Bildanzahl. Es geht um das, was der professionelle Fotograf Tanabe, der während der Show Echtzeit-Feedback gab, danach beobachtete: Kanemura hat etwas, das den meisten Konzertfotografen fehlt — sie weiß, wie es sich anfühlt, auf der Bühne zu stehen. Sie kennt die Momente, in denen eine Performerin fotografiert werden möchte, und die Momente, in denen die Kamera woanders hinschauen sollte.5

Das ist Domänenwissen in seiner reinsten Form. Ein Fotograf, der nie aufgetreten ist, kann Technik, Timing und Komposition erlernen. Aber die Intuition „genau jetzt will sie gesehen werden” — die kommt nur davon, selbst unter diesen Scheinwerfern gestanden zu haben. Tanabes Einschätzung war direkt: „Du kannst Dinge fotografieren, die nur jemand fotografieren kann, der selbst Performer war.”5

Die Ausrüstungsfrage, ehrlich beantwortet

Kanemuras Verhältnis zur Ausrüstung ist erfrischend undogmatisch. Sie verwendet seit etwa 2020 eine Sony α7III, hauptsächlich mit einem 40mm-Festbrennweiten-Objektiv. Im Seminar beschrieb sie es als so vertraut, dass sie sich nicht vorstellen kann, etwas anderes zu benutzen — „es ist Teil meiner Hand geworden.”2

Nach der Verwendung der α1 II beim Live-Shooting war sie dennoch offen: „Wenn man sie einmal benutzt hat, gibt es kein Zurück.” Sie tat nicht so, als könne ihre geliebte α7III mit der Autofokus-Verfolgung oder Serienbildgeschwindigkeit des Flaggschiffs mithalten. Sie anerkannte einfach den Unterschied, während sie ihre eigene Kamera aus anderen Gründen weiterhin schätzte.2

Das ist eine reife Haltung, die sowohl Ausrüstungsobsession als auch Ausrüstungsverleugnung vermeidet. Die α7III ist nicht „gut genug” — sie ist ihre, geformt durch sechs Jahre des Fotografierens. Die α1 II ist außergewöhnlich, gehört aber in eine andere Beziehung. Die meisten Fotografen, ob Amateur oder Profi, könnten von dieser Unterscheidung lernen.

Der Traum jenseits des Rahmens

Am Ende des Seminars teilte Kanemura einen stillen Wunsch: Sie möchte eine Fotoausstellung mit Porträts ihrer Hinatazaka46-Kolleginnen veranstalten.2

Dieser Traum liegt an einer interessanten Schnittstelle. Ein Idol, das andere Idols fotografiert, ist nicht nur ein kreatives Projekt — es ist ein Akt des Reframings. In der Idol-Industrie sind die Mitglieder überwiegend die Objekte von Fotografien, positioniert und ausgeleuchtet nach der Vision eines anderen. Dass Kanemura hinter die Kamera tritt und ihre Kolleginnen nach ihren eigenen Vorstellungen fotografiert, wäre eine subtile, aber bedeutungsvolle Umkehrung dieser Dynamik.

Ob die Ausstellung zustande kommt oder nicht — der Wunsch selbst sagt etwas darüber aus, wohin Kanemura steuert. Sie behandelt Fotografie nicht als Hobby, das ihre Idol-Karriere ergänzt. Sie baut sie zu etwas aus, das für sich allein stehen könnte.

Warum das über das Fandom hinaus zählt

Ich will ehrlich sein: Ich bin ein Fan von Kanemura Miku, und das färbt alles, was ich hier geschrieben habe. Aber ich glaube, dass in ihrem Werdegang etwas liegt, das jeden anspricht, der kreativ arbeitet.

Die Idol-Industrie kann im schlimmsten Fall ihre Mitglieder zu austauschbaren Produkten nivellieren. Was Kanemura tut — öffentlich lernen, öffentlich scheitern, öffentlich eine eigenständige künstlerische Stimme entwickeln — ist ein stiller Akt des Widerstands gegen diese Nivellierung. Sie rebelliert nicht gegen das System. Sie wird einfach jemand, als den das System sie nicht spezifisch entworfen hat.

Die Fotografie ist echt. Das Wachstum ist dokumentiert. Die Philosophie — erwarte nicht zu viel, umarme den Fehler, vertraue dem, was du aus gelebter Erfahrung weißt — ist weit über die Grenzen des J-Pop-Fandoms hinaus anwendbar.

Und wenn sie jemals diese Ausstellung veranstaltet, werde ich als Erster in der Schlange stehen.

  1. Commercial Photo (玄光社). Kanemura Mikus „Create My Book“-Kolumne, laufend seit ca. September 2024, mit 19 Ausgaben Stand Februar 2026. Im CP+2026-Seminar erwähnt. Abgerufen am 31.03.2026. ↩

  2. Sony (Japan). „Create My Book CP+2026出張編 — 金村美玖と写真の「今とこれから」.” CP+2026-Seminar, veröffentlicht am 26.02.2026. Abgerufen am 31.03.2026. ↩ ↩2 ↩3 ↩4 ↩5 ↩6

  3. Kanemura Miku schloss im März 2025 ihr Studium an der Kunstfakultät der Nihon-Universität, Abteilung Fotografie, ab. Im CP+2026-Seminar und in mehreren Medienprofilen erwähnt. ↩

  4. Robert Adams. „Robert Adams.” Wikipedia. Abgerufen am 31.03.2026. ↩

  5. 日向坂ちゃんねる. „【潜入】金村美玖が”新参者”でライブカメラマンに挑戦！【Sony α1 Ⅱ】.” Veröffentlicht am 13.12.2025. Abgerufen am 31.03.2026. ↩ ↩2 ↩3 ↩4